| Bill Haley | ||
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| Información general | ||
| Géneros | Rock & Roll Rockabilly Country | |
| Periodo de actividad | 1954-1981 | |
| Discográficas | DECCA | |
Bill Haley (William John Clifton Haley) (pronunciado hay-lee) fue un músico estadounidense, uno de los fundadores del rock and roll. Nació en Highland Park, un barrio de Detroit, el 6 de julio de 1925 y murió en Texas el 9 de febrero de 1981
Hay quienes datan el origen del rock and roll en 1954, con el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo "Bill Haley and the Comets", evolucionando desde el country y el rockabilly, así como desde el rithm and blues, especialmente con Crazy Man Crazy (1954) y su gran éxito Rock Around The Clock (1955), una reinterpretación del clásico de Jimmy Myers y Max Freedman, y que ya había sido grabado en 1952 por Sunny Dae & His Nights.
A diferencia de la mayoría de las grandes estrellas del rock and roll, Bill Haley realizó importantes giras por América Latina que tuvieron una gran influencia en la difusión del nuevo estilo. En 1958 debutó en Buenos Aires (Argentina) y en 1960 en Ciudad de México (Teatro Follies) y el interior, donde fue todo un éxito.
Grabó varios discos en español durante su estancia en México, con los que comenzó a promover un nuevo ritmo que finalmente desplazara al Rock & Roll, el Twist, estilo musical que entró pisando fuerte en 1962. Entre sus discos de Twist se encuentran La Paloma y Florida Twist. El Twist, vino a marcar el fin de la era del Rock & Roll original e inalterado (1955 a 1961). En 1964 el grupo Británico los Beatles (más la gran ola inglesa que les siguió), vino a desplazar al Twist, o sea que el Twist reinó únicamente por dos años.
El gran mérito de Bill Haley y sus Cometas es que comenzaron a tocar música de rock unos tres años antes que Elvis Presley, Little Richard, Jerry Lee Lewis, Paul Anka, Fats Domino, Buddy Holly, Chuck Berry, Bo Diddley o los Platters. Resulta difícil determinar quien fue el "Padre" o fundador del Rock & Roll, lo que si se puede asegurar, es que Bill Haley y su banda fueron auténticos pioneros del género.
| Bill Haley & His Comets (Bill Haley y sus Cometas) | ||
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| Información general | ||
| Alias | Bill Haley and the Saddlemen, The Kingsmen, The Lifeguards, B.H. Sees Combo | |
| Origen | Chester, Pennsylvania | |
| Géneros | Rock and roll, country music, rockabilly | |
| Periodo de actividad | 1949–1952 como Saddlemen; 1952–1981 como Bill Haley & His Comets; 1981–presente como The Comets, Bill Haley's Comets, etc. | |
| Discográficas | Atlantic, Keystone, Cowboy, Holiday, Essex, Decca, Warner Bros. Records, Orfeón, Dimsa, Newtown, Guest Star, Logo, APT, Gone, United Artists, Roulette, Sonet, Buddah, Antic | |
| Miembros | ||
| Actuales: Marshall Lytle, Joey Ambrose, Dick Richards, David Byrd, Jackson Haney, Franny Beecher ("The Comets"); también Al Rappa, Lenny Longo (grupos separados llamados Bill Haley's Comets); Anteriores: Bill Haley, Johnny Grande, Billy Williamson, Rudy Pompilli, Al Rex, Ralph Jones, Nick Nastos, John "Bam-Bam" Lane y más de 100 otros. | ||
Bill Haley y sus Cometas (nombre original Bill Haley & His Comets) fue una banda estadounidense de rock and roll creada en 1952 que continuó hasta la muerte de Haley en 1981. La banda, también fue conocida como Bill Haley and The Comets y Bill Haley's Comets u otras variaciones similares, fue uno de los primeros grupos de músicos blancos en tocar rock and roll atrayendo la atención del público de su país y de todo el mundo hacia ese nuevo estilo musical, de origen afroamericano. El líder del grupo, Bill Haley, había sido previamente un intérprete de música country & western (folklore blanco). Después de grabar en 1951 una versión country del tema "Rocket 88" (una de las canciones consideradas como iniciadoras del rock and roll), cambió su estilo para adoptar el nuevo sonido que terminaría llamándose unos años después rock and roll.
Si bien varios de los Cometas se volvieron famosos, Bill Haley permaneció como la estrella. Con su rulo sobre la frente y la banda con trajes de etiqueta y su comportamiento enérgico sobre el escenario, fueron considerados en su tiempo tan revolucionarios como Los Beatles o Los Rolling Stones en la década del 60.
Luego de la muerte de Haley, no menos de seis grupos diferentes se han formado bajo el nombre de Cometas, todos ellos reclamando para sí ser la histórica continuación de aquel que dirigía Haley.
Tabla de contenidos[ocultar] |
La banda se inició con el nombre de Bill Haley and the Saddlemen (trad: Bill Haley y los Hombres Montados) (c.1949-1950) y realizaba música country, ocasionalmente con algún aire de blues. Muchas de las grabaciones originales de la banda no fueron lanzadas hasta los años 1970 y 1980, destacándose entre ellas "Rose of My Heart" y "Yodel Your Blues Away".
Los miembros originales fueron:
A ellos se sumó poco después un bajista, inicialmente [[Al Thompson, puesto que luego fue ocuado sucesivamente por Al Rex y Marshall Lytle.
En los primeros años grabaron bajo distintos nombres, como Johnny Clifton and His String Band y Reno Browne and Her Buckaroos (pero Reno Browne, una estrella de la época nunca participó del grupo).
Haley adoptó el naciente estilo del rock and roll al grabar en 1951 una versión del tema "Rocket 88" de Ike Turner, previamente grabado por Jackie Brenston. Al año siguiente grabaron un tema rhythm and blues de los años 40, "Rock the Joint". Ambas canciones (la primera tanto en la versión de Haley como de Brenston) están entre las candidatas a ser consideradas como la primera grabación de rock and roll.
El nuevo estilo llevó a cambiar el nombre de la banda en 1952, adoptando Bill Haley y sus Cometas debido a la similitud entre el apellido del líder del grupo y el famoso cometa Halley[1]
Con el nuevo nombre la composición del grupo era: Haley, Grande, Williamson y Lytle. Grande usualmente tocaba el piano en los discos pero en los conciertos optaba por el acordeón, debido a la mayor facilidad para transportarlo. Poco después de renombrar la banda, Haley contrató su primer baterista, Charlie Higler, pronto reempalzado por Dick Boccelli (AKA Dick Richards). Durante este tiempo, la banda no tuvo una primera guitarra permanente, contratando a veces músicos para las grabaciones, o tocando a veces él mismo o Williamson.
En 1953, Haley tuvo su primer éxito nacional con una canción de su coautoría (con Marshall Lytle) titulada "Crazy Man, Crazy", una frase que Haley dijo oía decir a su público adolescente. "Crazy Man, Crazy" fue la primera canción de rock and roll en ser televisada por una cadena nacional cuando fue utilizada ese mismo año como banda de sonido de un programa de televisión protagonizado por James Dean.
A comienzos de 1954, Haley sumó a Joey Ambrose como saxo tenor y poco después dejó el sello Essex por el más importante Decca Records de Nueva York. El 12 de abril de 1954, en su primera sesión para el nuevo sello, acompañados por Danny Cedrone en guitarra eléctrica y Billy Gussak en batería (reemplazando a Boccelli), Bill Haley y sus Comets grabaron "Rock Around the Clock". Se trata de el más grande éxito de Haley y una de las canciones más importantes de la historia del rock and roll. Aunque su éxito inicial fue moderado, se estima que se vendieron 25 millones de copias según el Libro Guinness de los récords.
Inicialmente "Rock Around the Clock" fue un éxito modesto. En su momento fue mucho más importante fue "Shake, Rattle and Roll", grabado a comienzos de 1954, con el que vendieron un millón de copias, anticipando el estallido que la banda protagonizaría al año siguiente.
A fines de 1954, Haley grabó un nuevo hit, "Dim, Dim The Lights". Estos éxitos impulsaron a algunos DJs, entre ellos Alan Freed, a redescubrir y difundir anteriores grabaciones de la banda, entre ellas "Rock Around the Clock".[2]
El 25 de marzo de 1955 se estrenó la película Semilla de maldad ("Blackboard Jungle", cuya traducción textual es Jungla de Pizarrones), en la que Bill Haley y sus Cometas interpretan Rock Around the Clock como primera escena. El impacto fue masivo en todo el país: el tema se convirtió en Nº1 en los charts estadounidenses y se mantuvo en ese lugar por ocho semanas. Era la primera canción de rock and roll en hacerlo.
Los movimientos acrobáticos de Ambrose al tocar el saxo y Lytle montando el contrabajo como si fuera un potro, fueron marcas personales de la banda en sus presentaciones en vivo. A fines de 1954, Haley y sus Cometas aparecieron en un film corto titulado Round Up of Rhythm, tocando tres temas. Se trata de la primera película de rock and roll.
En 1955, Lytle, Richards y Ambrose abandonaron la banda debido a una disputa salarial y formaron su propio grupo, The Jodimars. Haley contrató nuevos músicos para reemplazarlos: Rudy Pompilli en saxo, Al Rex (quien había estado en los Saddlemen) en contrabajo, y Ralph Jones en batería. Además Franny Beecher, quien había venido siendo primera guitarra en las grabaciones se convirtió en miembro permanente de la banda. Esta integración del grupo se volvió aún más popular y es la que aparece en las películas que se filmaron en esos años.
Otros éxitos de Los Cometas fueron "See You Later, Alligator", "Don't Knock the Rock", "Rock-a-Beatin' Boogie", "Rudy's Rock" (el primer éxito totalmente instrumental del rock and roll) y "Skinny Minnie".
En 1956, Bill Haley y sus Cometas tienen importantes roles en dos de las primeras películas de largometraje de rock and roll: Rock Around the Clock y Don't Knock the Rock.
Bill Haley y sus Cometas comenzaron a ver cierta pérdida de popularidad entre 1956 y 1957, desplazados por la imagen más sexual y salvaje de músicos como Elvis Presley y Little Richard, que comenzaron a dominar las listas de difusión (de todos modos el cover de Haley de "Rip It Up" de Little Richard, superó en ventas a la original).
Después del éxito de "Skinny Minnie" en 1958 Haley comenzó a encontrar dificultades para alcanzar nuevos éxitos. Ello contrastaba con el éxito internacional de la banda. En la gira por Gran Bretaña de 1957 la banda fue virtualmente asaltada por miles de fans en la Estación Waterloo de Londres, hecho que los medios titularon como La Segunda Batalla de Waterloo. Manifestaciones similares se produjeron en las giras de 1958 por Australia y Argentina.
En 1960 la banda tuvo su último hit en Estados Unidos, con la versión instrumental de "Skokiaan". A partir de entonces fracasan varios intentos del grupo para reactualizar su presencia, debido a lo cual se volcaron hacia el mercado internacional, donde continuaban siendo una banda líder en las preferencias juveniles.
En 1961-1962, Bill Haley y sus Cometas (así, con el nombre español que utilizaban en América Latina) firmaron con el sello mexicano Orfeon Records y obtuvieron un inesperado hit con "Twist Español", un tema cantado por la banda en español en ritmo de twist, que se encontraba de moda en ese momento. El single se convirtió en el más vendido de las historia mexicana con "Florida Twist".
Aunque Chubby Checker y Hank Ballard fueron los creadores de twist, en Mexico y América Latina, Bill Haley y sus Cometas fueron proclamados los Reyes del Twist. Gracias al éxito de "Twist Español" y "Florida Twist", entre otros, la banda se mantuvo al toe de las listas en México y América Latina durante los años siguientes, difundiendo rock and roll en español y con sonoridad latina. Fueron los animadores de una serie de TV llamada 'Orfeon a Go-Go'. Haley, quien hablaba con fluidez el español, grabó varias canciones en español. Incluso hubo cierta experimentación para fusionar ritmos latinos como la balada, "Jimmy Martinez", grabada sin los Cometas.
En 1966, los Cometas (sin Bill Haley) grabaron un álbum para Orfeon como músicos de sesión de Big Joe Turner, quien siempre fue un ídolo de Haley; sin embargo no realizaron ninguna interretación cojunta de "Shake, Rattle and Roll".
En 1967 Haley, sin los Cometas, grabó en Phoenix, Arizona un demo de una canción country llamada "Jealous Heart" acompañado por una banda de mariachis, en un estilo similar a "Jimmy Martinez" y el posterior "Rock on Baby". Ninguna grabación sería lanzada en los siguientes treinta años.
Para fines de la década del 60 Haley y los Cometas eran considerados viejos. Pese a ello la popularidad de la banda nunca decayó en Europa, por lo cual el grupo firmó un lucrativo contrato con Sonet Records de Suecia en 1968, donde grabaron una nueva versión del "Rock Around the table" convirtiéndose nuevamente en hit.
En 1969 en los Estados Unidos, el promotor Richard Nader lanzó una serie de conciertos de revival de rock and roll, con bandas de los años 50 y 60. Uno de los primeros fue Bill Haley, en el Madison Square Garden de Nueva York, donde recibió una ovación de ocho minutos y medio con el público de pie. Unas semanas después grabaron el álbum en vivo Bill Haley's Scrapbook, em el club Bitter End de Nueva York.
Después de 1974 Haley tuvo problemas de impuestos en Estados Unidos, que lo llevaron a actuar sólo en Europa y a realizar una gira por America del Sur en 1975. En 1974, la versión original del "Rock Around the Clock" volvió a ser hit en Estados Unidos debido a su inclusión el las películas American Graffiti y Happy Days.
En febrero de 1976, el saxofonista de Haley y su mejor amigo, Rudy Pompilli, murió de cancer después de dos décadas de carrera con los Cometas. Haley continó realizando giras durante el año siguiente pero su popularidad comenzó a decaer nuevamente y su presentación en Londres de 1976 performance recibió malas críticas de los medios. Ese año el grupo grabó un nuevo álbum, R-O-C-K. En 1977 Haley anunció su retiro y se radicó en México. De acuerdo con su biógrafo John Swenson, Haley tenía un pacto con Pompilli por el que si uno moría el otro se retiraría.
Los Cometas por su parte continuaron con sus presentaciones. En 1979, Haley fue persuadidol para volver a tocar en una gira europea, y para ello renovó casi completamente a los Cometas, la mayoría británicos. Haley apareció en muchos shows de TV y en la elícula 'Blue Suede Shoes', filmada durante uno de sus conciertos en Londres en marzo de 1979. Durante la gira Haley grabó varios tracks que se incluirían a fin de año en el álbum Everyone Can Rock & Roll, el último suyo con grabaciones originales antes de morir.
En noviembre de 1979, Haley y los Cometas tocaron para la reina Isabel II, momento que él consideró de de mayor orgullo de su vida. Fue su última presentación en Europa.
En 1980 la banda realizó una gira por Sudáfrica pero la salud de Haley ya era débil y le fue diagnosticado un tumor cerebral. La gira fue muy cuestionada por los medios pero sus grabaciones en Johannesburg lo muestran animado y con una buena voz.
Haley canceló varias presentaciones y volvió a su casa de Harlingen, Texas donde murió mientras dormía como consecuencia de un infarto el 9 de febrero de 1981.
Dos meses después Bill Haley & sus Cometas volvieron a ubicarse en los charts británicos con "Haley's Golden Medley", un single en 45 con un compilado de sus éxitos, que llegó al puesto 50 pero no fue lanzado en Estados Unidos.
En 1987, Bill Haley fue incluido en el Salón de la Fama del Rock. En aquella época las bandas de soporte no eran incluidas. Esa política cambió luego y también se ha solicitado la inclusión de los Cometas. Bill Haley y sus Cometas han sido incluidos también en el Salón de la Fama del Rockabilly. En julio de 2005 los miembros sobrevivientes de los Cometas originales reresentaron a Haley cuando Bill Haley y sus Cometas fueron incluidos en el Hollywood RockWalk, una ceremonia en la que también estuvieron presentes sus segunda esposa y su hija menor. Los Cometas grabaron las palmas de sus manos en cemento y se dejó un espacio en blanco para Haley.
Más de 100 músicos tocaron con Bill Haley & sus Cometas entre 1952 y la muerte de Haley en 1981. Muchos de ellos se hicieron favoritos de los fans.[3] Varias intentos de reorganizar a los Cometas fueron intentadas en la década del 80, incluyendo una organizada por Joey Welz, quien formó parte de la banda brevemente en los años 60 y otra organizada por un imitador de Elvis Presley llamado Joey Rand (este grupo perdió luego un juicio sobre el derecho a usar el nombre de Cometas).
En 1987, músicos que tocaron con Haley en 1954-1955 formaron Los Cometas y aún siguen realizando presentaciones. Han grabado media docena de álbums para pequeños sellos en Europa y Estados Unidos. Este grupo se ha presentado también como Bill Haley's Original Comets (Los Cometas Originales de Bill Haley), y en algunos casos, cuando el uso de la denominación "Cometas" se encuentra en disputa, como A Tribute to Bill Haley (Un Tributo a Bill Halley) y The Original Band (La Banda Original). La integración básica de este grupo desde 1987 a mayo de 2006 es Marshall Lytle (bajo), Joey Ambrose (saxo), Johnny Grande (piano), Dick Richards (batería) y Franny Beecher (guitarra). El cantante británico Jacko Buddin acompaña al grupo durante las giras europeas, mientras que Lytle se encarga de cantar en Norteamérica.
Otros dos grupos reclaman para sí el nombre de Bill Haley's Comets y han realizado extensas giras por Estados Unidos de los años 80. Uno de ellos está liderado or John "Bam-Bam" Lane, baterista de la banda entre 1965-68. El otro está encabezado por Al Rappa, quien tocó el bajo con Haley intermitentemente entre 1959 y 1969. Ambos reclaman el mismo nombre. Este conflicto se remonta a la época en la que ambos estaban juntos y ganaron el juicio contra Joey Rand en 1989.
En marzo y julio de 2005, el ya mencionado grupo Los Cometas, integrado por miembros de la banda de 1954-55, realizarn importantes conciertos en Nueva York y Los Angeles organizados por Martin Lewis como parte de las celebraciones por el 50º aniversario del rock and roll con motivo respectivamente de la proyección de la película Blackboard Jungle (Semilla de maldad), y del éxito de "Rock Around the Clock" llegando asl top del ranking. El 6 de julio de 2005, durante un concierto en Hollywood, The Comets fueron acompañados en el escenario en una canción por Gina Haley, la hija menor de Bill Haley y en marzo fueron acompañados por John W. Haley, el hijo mayor de Haley.
El 2 de junio de 2006 murió Johnny Grande, tecladista de los Cometas originales (1954-55) y fundador de la banda. Poco después Franny Beecher, el guitarrista, con 85 años, anunció su retiro. Los tres Cometas restantes (Lytle, Richards y Ambrose) continuan con la banda.
El 18 de febrero de 2007 murió John "Bam-Bam" Lane[4] pero su grupo los Bill Haley's Comets se espera que seguirán actuando.
Bill Haley & His Comets grabaron numerosos singles y álbums. La siguiente lista incluye solo lanzamientos originales y no incluye compilaciones o relanzamientos.
como Bill Haley & the Saddlemen (y variantes)
1950
1951
1952
Como Bill Haley & His Comets (y variantes)
1953
1954
1955
1956
1957
1958
1959
1960
1961
1962
1963
1964
1965
1966
1968
1970
1971
1978
1979
1980
Otros importantes lanzamientos de álbums del grupo incluyen Rock with Bill Haley and the Comets (Essex 102; 1954), Shake, Rattle and Roll (Decca DL5560; 1955), Rock Around the Clock (Decca DL8225; 1956) y Rockin' the Joint (Decca DL8775; 1958). Estas son todas compilaciones de materiales previos.
Como ha sucedido con Elvis Presley, Los Beatles y otros músicos de rock, existe una gran cantidad de material grabado que no fue editado en su momento y que ha venido siendo lanzado luego de la muerte de Haley. Mucho de este material son grabaciones de música country, aunque ocasionalmente han aparecido tracks de los años 50 y 60. Desde los años 90 varios sellos europeos han editados temas de Haley inéditos.
Entre los descubrimientos más notables están:
Un cierto número de grabaciones inéditas existe en poder de colleccionistas privados, incluyendo grabaciones privadas de conciertos realizados entre 1960 y 1970. Hasta el presente no se han descubierto versiones alternativas de los temas más famosos de Haley, como "Rock Around the Clock" y "Shake, Rattle and Roll".
Varios miembros de los Cometas han publicados sus propios singles y álbums luego de la muerte de Haley.
El grupo también ha aparecido como artistas invitados en grabaciones de otros músicos como Andy Lee Lang, Schurli Weiss.
Bill Haley y sus Comets también alcanzaron éxitos en América Latina durante el período 1961-1966 como "Twist Español", "Florida Twist" and "Land of 1000 Dances". "Chick Safari", una grabación de 1960, alcanzó el puesto No. 1 en la India. El single "Florida Twist" y el LP Twist alcanzaron el puesto No. 1 en México.
La zarzuela Agua, azucarillos y aguardiente es otra de las muestras del género que tienen por escenario la ciudad de Madrid.
El libreto fue escrito por Miguel Ramos Carrión y la música la compuso Federico Chueca. Se estrenó en el Teatro Apolo de Madrid el 23 de junio de 1897.
La obra está ambientada en el Madrid de finales del siglo XIX y refleja a la clase media empobrecida en contacto con las clases más humildes. Se desarrolla en las proximidades de la Verbena de San Lorenzo, el 9 de agosto, en el paseo de Recoletos. En la obra se citan otras calles, como la Ribera de Curtidores, el Prao, la Plaza de Colón, Lavapiés, Las Vistillas, la Puerta de Alcalá, la Cebá. En la obra aparecen personajes y situaciones del Madrid de la época: aguadores y aguadoras, cigarreras, chulapos y chulapas, manolos y manolas, castañeras, barquilleros, el olor a churros calientes y la limonada en los barreños de barro cocido, niñas jugando al corro mientras las niñeras coquetean con los soldados, etc. Es decir, el Madrid castizo del chotis, el pasodoble y el organillo.
Atanasia –Asia–, niña cursi, y su madre doña Simona, se mudaron a Madrid donde llevan una vida mísera, debiendo dinero hasta al casero. Una carta del tío del aconseja regresar al pueblo (Valdepatata), donde el primo está loco por casarse con Asia. Pero ésta sueña con Serafín, hijo de un ex ministro.
Serafín ofrece dinero a Pepa, que regenta un quiosco de aguadora, para que le eche un somnífero a la madre de Asia, pero ésta se niega. Lorenzo, compañero de Pepa decide echarlo él mismo. Pepa se enfrenta a Manuela, una aguadora sin puesto, que en la actualidad está emparejada con Vicente, un torero, antiguo novio de la propia Pepa. Vicente y Lorenzo no parecen tener tanta enemistad como Pepa y Manuela, y pactan que hacer con el dinero de Serafín.
Llegan Asia y su madre para pedir dinero a Serafín para pagar la renta, la madre cae en aparente sopor y Serafín promete el cielo a Asia. De repente la madre despierta y se van como es habitual al Paseo de Recoletos. Serafín cae en un profundo y verdadero sueño, ya que realmente fue él quien finalmente ingirió el somnífero. Asia, desengañada, está dispuesta a volver a Valdepatata.
A la media noche Pepa y Lorenzo, con Manuela y Vicente, se van al baile de la Verbena de San Lorenzo, mientras que a Serafín, que sigue durmiendo, pierde su ropa y su cartera a manos de Garibaldi, un raterillo del barrio que se gana la vida tocando la lira.
La obra no plantea ningún motivo central ni trama unificadora. Está dividida en dos cuadros independientes entre sí, siendo el segundo el más castizo y expresivo.
Su estreno fue modesto y sin pretensiones, era una obra para ese verano, para estar en cartel sólo unas semanas. De ahí el subtítulo de Pasillo Veraniego.
| Paul Cézanne | |
 Paul Cézanne, hacia 1861 | |
| Nacimiento | 19 de enero de 1839 Aix-en-Provence, Francia |
| Defunción | 22 de octubre de 1906) (67) Aix-en-Provence, Francia |
| Nacionalidad | Francesa |
| Área | Pintura |
| Movimiento | Postimpresionismo |
| Obras destacadas | Mujer con cafetera (h. 1890-1895) La montaña de Sainte-Victoire, vista desde Bibémus (hacia 1898) Grandes bañistas (1906) |
Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 19 de enero de 1839 - ídem, 22 de octubre de 1906), pintor francés postimpresionista, considerado el padre del arte moderno, cuya obra estableció las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores»,[1] que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación (los nabis o la escuela de Pont-Aven).
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Cézanne nació el 19 de enero de 1839 en la ciudad de Aix-en-Provence, en el sur de Francia.[2] El 22 de febrero, fue bautizado en la iglesia parroquial, con su abuela y su tío Louis como padrinos.[2] El apellido «Cézanne» parece proceder de la localidad actualmente italiana de Cesana en los Valles Valdenses o Piamonte Occidental, y se ha asumido que en último término eran de origen italiano.[3] Su padre, Louis-Auguste Cézanne (28 de julio de 1798 - 23 de octubre de 1886),[4] era sombrerero, convirtiéndose en banquero en 1847, como uno de los socios fundadores de la firma «Cézanne y Chabanel», que prosperó a lo largo de la vida del artista, lo que le permitió una seguridad financiera inalcanzable para la mayoría de sus contemporáneos. Por otro lado, su madre, Anne-Elisabeth Honorine Aubert (24 de septiembre de 1814 – 25 de octubre de 1897),[5] era vivaz y romántica, pero se ofendía fácilmente.[6] De ella heredó Paul su concepto y visión de la vida.[6] Tenía también dos hermanas menores, Marie y Rose.[2] [7]
En 1852 comenzó sus estudios en el colegio Bourbon (actualmente, Colegio Mignet) de su ciudad natal, donde entabló relación con Émile Zola, que estaba en una clase inferior.[8] [7] Permaneció allí durante seis años, aunque en los dos últimos fue alumno externo.[9] En 1857 se inscribió en la Escuela de Dibujo de Aix, asistiendo a los cursos de Joseph Gibert, director de la escuela y del museo de bellas artes de la ciudad.[10]
Desde 1859 hasta 1861 estuvo matriculado, por influencia paterna, en la facultad de Derecho de la Universidad de Aix, mientras seguía recibiendo lecciones de dibujo.[11] Pronto comprendió que su verdadera vocación era la pintura. Instaló su primer estudio en Jas de Bouffan, la casa de campo de su padre. La decoró con temas referentes a Las cuatro estaciones (1860), que firma, con ironía, como «Ingres».[10] En 1861, después de una serie de encarnizadas discusiones familiares, recibió una pequeña asignación y marchó a estudiar arte a París. Le animó mucho a adoptar esta decisión Zola, quien vivía en la capital desde 1858.
Se inscribió en la Academia Suiza (Académie Suisse), una academia privada en la que trabajaba con modelos del natural, y en la que no había exámenes ni lecciones[10] , todo ello para preparar el examen de ingreso en la École des Beaux-Arts. En el Museo del Louvre descubrió la obra de Caravaggio y de Velázquez, lo que marcó profundamente su evolución artística. Cuando rechazaron su candidatura a la École des Beaux-Arts, regresó a Aix y aceptó un empleo en el banco de su padre. Sin embargo, en 1862 decidió volver a París para consagrarse definitivamente a la pintura, pasándole su padre una pensión de 125 francos.[10] Reanudó su amistad con Zola y continuó sus estudios en la Academia Suiza, donde conoció a Guillaumin y a Camille Pissarro, pintor mayor que él aunque poco reconocido, que vivía con su numerosa familia en una zona rural a las afueras de París. Cézanne se sintió de inmediato atraído por los elementos más radicales del mundo artístico parisino. Admiraba sobre todo al pintor romántico Eugène Delacroix y, entre los artistas más jóvenes, a Gustave Courbet y a Édouard Manet, que exponían obras de estilo y temas chocantes para sus contemporáneos. La polémica entre el arte oficial y los nuevos pintores llevó a la creación, en 1863, del Salon des Refusés donde se mostraban obras no aceptadas por el jurado oficial del Salón de París. El Salón oficial, por su parte, rechazó todas las obras que presentó desde 1864 hasta 1869. En 1864 pasó el verano en Aix-en-Provence; es el mismo año en que se celebra una muestra de la obra de Delacroix, lo que permite a Cézanne conocer su pintura en profundidad. 1869 es el año en el que conoce a la modelo Marie-Hortense Fiquet. En 1870 el Salón rechazó su Retrato de Achille Emperaire, por entender que era inaceptable al no respetar la perspectiva ni la corrección anatómica, juzgándolo «en el límite de lo grotesco».[10]
Cuando estalló la Guerra Franco-prusiana en julio de 1870, Cézanne y Hortense dejaron París para ir a L'Estaque, cerca de Marsella, evitando así el alistamiento. Fue declarado prófugo en enero de 1871, pero la guerra acabó en febrero y la pareja volvió a París en verano. En enero del año siguiente, 1872, tuvieron a su hijo Paul en París. Se trasladaron entonces a Auvers-sur-Oise, donde vivió en casa del Dr. Gachet. La madre de Cézanne supo de los acontecimientos familiares, pero no su padre, a quien no se le mencionó la existencia de Hortense por miedo de incurrir en su ira. En Auvers profundiza su amistad con Pissarro, que vivía en Pontoise. Inicialmente, era la relación de un maestro con su alumno, con Pissarro ejerciendo una influencia formativa sobre el artista más joven. Durante mucho tiempo después, Cézanne se describió a sí mismo como el alumno de Pissarro, refiriéndose a él como «Dios Padre» y diciendo «Todos nosotros provenimos de Pissarro».[12] Bajo la tutela de Pissarro, en el corto periodo comprendido entre 1872 y 1873, Cézanne pasó de los tonos oscuros a los colores brillantes y comenzó a concentrarse en escenas de la vida rural. A lo largo de la siguiente década, sus excursiones para pintar paisajes juntos, del natural, en Louveciennes y Pontoise, llevaron a una relación de trabajo en colaboración entre iguales.
Dejando a Hortense en la región de Marsella, Cézanne se movía entre París y Provenza. Gracias a Pissarro, conoció al "tío" Tanguy en París en el año 1873. Se trataba de un comerciante de colores que aceptaba cuadros como pago de los materiales que vendía a los pintores. Aunque parecía tener menos dominio de la técnica que los otros impresionistas, Cézanne fue aceptado dentro del grupo. Expuso en la primera muestra impresionista celebrada en el estudio del fotógrafo Nadar en 1874: se expusieron Una moderna Olimpia, Paisaje de Auvers-sur-Oise y La casa del colgado. Fue objeto de burlas. En 1875, llamó la atención del coleccionista Victor Chocquet, cuyos encargos le proporcionaron algo de alivio financiero. Pasó el verano de 1876 en L'Estaque, lo que le dio la oportunidad de pintar dos marinas. No intervino en la segunda muestra impresionista, pero sí en la tercera (1877) celebrada en la calle Pelletier, con dieciséis obras, entre acuarelas, bodegones, paisajes, un cuadro de bañistas y un retrato del coleccionista Chocquet). El éxito comercial de los impresionistas era ya limitado de por sí y, dentro de este grupo, las obras de Cézanne tuvieron la acogida más desfavorable. Sus pinturas provocaban hilaridad, indignación y sarcasmo. El crítico Louis Leroy dijo del retrato de Chocquet: «Esta cabeza que parece tan peculiar, el color de una bota vieja impresionaría a [una mujer embarazada] y provocaría la fiebre amarilla en el fruto de su vientre antes de su entrada en el mundo».[13] Cézanne no volvió a exponer con el grupo.
Cézanne pasó el año 1878 en el Mediodía, con Hortense y su hijo. En marzo, su padre descubrió el asunto de Hortense y amenazó con romper con él financieramente pero, en septiembre, decidió subirle la asignación a 400 francos. En 1879-80 pasó parte del invierno en Melun, aprovechando para pintar el paisaje cubierto de nieve. Entre las obras maestras de este periodo está la vista del Puente de Maincy. En agosto de 1880 marchó a casa de Zola en Médan, a orillas del Sena donde conoció a Huysmans; aprovechó para pintar al aire libre. Su padre, debido a la vida que lleva, dejó de enviarle ayuda. En mayo de 1881, conoció a Gauguin en la casa de Pissarro en Pontoise; en octubre regresó a Aix, donde su padre Louis-Auguste le hizo un estudio en Jas de Bouffan.[10] Estaba en la planta superior y se le proporcionó una gran ventana, que permitía la entrada de la luz del norte pero interrumpiendo la línea de los aleros, lo cual aún se aprecia. La familia Cézanne fijó definitivamente su residencia en L'Estaque, y a partir de entonces sólo en raras ocasiones abandonó Provenza. El traslado refleja una nueva independencia respecto a los impresionistas, centrados en París, y la preferencia del pintor por el sur, su tierra natal.
En L'Estaque recibió la visita de Renoir (1882), quien quedó impresionado con la belleza del paisaje. Ese año fue la única vez que pudo exponer en el Salón de París, gracias a la intervención de su amigo y artista Antoine Guillemet, Retrato de Louis-Auguste Cézanne, padre del artista, leyendo 'l'Evénement', 1866 (National Gallery, Washington).[14] Escaso es el reconocimiento que obtiene por la crítica oficial. Por entonces, dejó de trabajar en estrecha relación con Pissarro. Había conocido al pintor Monticelli en Marsella en los años 1860, y entre 1878 y 1884 los dos artistas a menudo pintaron paisajes juntos, recorriendo en una ocasión durante un mes el campo de Aix. En 1883 murió Manet, noticia que afectó a Cézanne. En diciembre se reunieron con él en L'Estaque Monet y Renoir.
El año 1886 fue crucial: se casó con Hortense y, en octubre, murió su padre. Le dejó en herencia la finca que había adquirido en 1859. Cézanne tenía 47 años de edad y por fin consiguió la independencia económica, gracias a la gran herencia que recibió,[8] aunque siguió manteniendo el aislamiento social. Es el año de su ruptura con Émile Zola, después de que este le usara, en gran medida, como modelo para el artista fracasado y trágico Claude Lantier, en La obra. Cézanne sintió que la novela era indecorosa y una traición por parte de su amigo de la infancia, por lo que rompieron su amistad y no volvieron a verse.
Para el año 1888 la familia estaba en la anterior mansión, Jas de Bouffan, un sólido edificio y terrenos con edificaciones anejas. Actualmente es propiedad de la ciudad, aunque con menos terreno, y está abierta al público de manera limitada. En 1889 muestra La casa del ahorcado en la Exposición Universal. Al año siguiente, expone en Bruselas con los XX, un grupo de pintores muy activos.[10] No obstante, su periodo idílico en Jas de Bouffan fue sólo temporal. Desde 1890 hasta su muerte, se sucedieron acontecimientos perturbadores que le hicieron aislarse más dedicándose en exclusiva a la pintura. Entre 1887 y 1893, sólo recibe la visita de unos pocos iniciados, como los marchantes de arte J. Tanguy y Ambroise Vollard.
Los problemas comenzaron con el comienzo de la diabetes en 1890, desestabilizando su personalidad hasta el punto de que las relaciones con otros quedaron de nuevo afectadas. Viajó a Suiza, con Hortense y su hijo, quizá esperando restaurar su relación. Cézanne, sin embargo, regresó a vivir a Provenza; Hortense y Paul el joven, a París. Las necesidades financieras obligaron a Hortense a volver a Provenza pero en viviendas separadas. Cézanne se trasladó con su madre y su hermana.
En 1891 volvió al catolicismo, aunque las imágenes religiosas fueron escasas en su obra tardía. Cézanne sostenía que «Cuando juzgo el arte, cojo mi cuadro y lo pongo junto a un objeto obra de Dios como un árbol o una flor. Si desentona, no es arte».[15]
En 1895 se celebró su primera exposición individual, organizada por Vollard, con 100 lienzos. Este marchante promocionó la obra de Cézanne con gran éxito durante los años siguientes, logrando que subiera su cotización, como se comprueba al ver los precios de las ventas Duret y Tanguy (1894)[16] [10] y la venta Chocquet de 1899.[17]
En 1897 murió su madre, lo que le permitió reconciliarse con su mujer. Vendió Jas de Bouffan y alquiló un lugar en Rue Boulegon, donde construyó un estudio. También alquiló una habitación en el Château Noir, cerca de Aix, donde se prepara un pequeño estudio. Pasó una temporada en Le Tholonet, en la ladera de la montaña Sainte-Victoire, haciendo de ella objeto de su pintura, lo mismo que la cantera de Bibémus.[10]
Sus pinturas se hicieron bien conocidas y buscadas y obtuvo el respeto de una nueva generación de pintores. A pesar del creciente reconocimiento público y éxito financiero, Cézanne prefirió trabajar en el aislamiento artístico, normalmente pintando en Provenza. En 1900 tres de sus lienzos se incluyen en la Exposición Universal y trece en una exposición organizada por Paul Cassirer en Berlín, ocasión en la que el poeta Rainer Maria Rilke vio su obra por vez primera.[10] En 1901 expone en el Salón de los Independientes. Ese mismo año, Maurice Denis presenta su Homenaje a Cézanne, cuadro en el que puede verse a un grupo de artistas (Redon, Vuillard, Bonnard y Denis) alrededor de un bodegón pintado por Cézanne y que había sido propiedad de Gauguin.[1]
La relación entre Cézanne y su mujer siguió siendo tormentosa. Necesitaba un lugar en el que estar él solo. En 1901 compró algo de tierra a lo largo del Chemin des Lauves («Camino de Lauves»), una carretera aislada en la colina de Lauves, y encargó que le hicieran allí un estudio (el atelier, actualmente abierto al público), en donde aún puede verse el atrezzo de sus obras, tal como las dejó. Desde allí se ve la montaña Sainte-Victoire. Allí pintó hasta su muerte. Mientras tanto, en 1902, hizo un borrador de testamento excluyendo a su esposa de su herencia y dejándoselo todo a su hijo. Aparentemente la relación estaba de nuevo rota; se dice que ella quemó los recuerdos de su madre.
En 1903 culmina el reconocimiento de su obra, apareciendo en diversas exposiciones. Así, el Salón de Otoño expone 33 lienzos suyos. También se incluyen obras de Cézanne en la Secesión vienesa y en la de Berlín.
Émile Bernard, que ya en 1892 había dedicado un artículo a Cézanne, estuvo trabajando con él durante todo un mes en 1904.[18] [10] Ese mismo año, el Salón de Otoño le dedicó toda una sala, con 30 cuadros y dos dibujos. En 1905 Vollard presentó las acuarelas de Cézanne. Era ya un pintor de prestigio. Se sucedían exposiciones retrospectivas. Muchos pintores jóvenes viajaron hasta Aix-en-Provence para verle trabajar y pedirle consejo durante los últimos años de su vida. Sin embargo, tanto su estilo como sus teorías continúan siendo misteriosas y crípticas; para unos era un pintor primitivo ingenuo y para otros un complicado maestro en los procedimientos técnicos.
Un día, Cézanne se vio atrapado por una tormenta mientras trabajaba en el campo.[19] Sólo después de haber trabajado durante dos horas bajo el aguacero decidió regresar a casa; pero en el camino se desmayó. Lo llevó a casa un conductor que pasaba.[19] Su ama de llaves le frotó los brazos y las piernas para restaurar la circulación; como resultado, recuperó la consciencia.[19] Al día siguiente, pretendía seguir trabajando, pero más tarde se desmayó; el modelo pidió ayuda; le metieron en la cama, en Lauves, de donde no volvió a salir.[19] Murió unos pocos días después, el 22 de octubre de 1906.[19] Murió de neumonía y fue enterrado en el antiguo cementerio en su amada ciudad natal de Aix-en-Provence.[20]
Después de su muerte, su estudio en Aix se convirtió en un monumento, Atelier Paul Cézanne, o les Lauves.
Cézanne intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico. Al igual que Zola con el realismo literario, Cézanne manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo. Luchó por desarrollar una observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto de representarlo en pintura que podía encontrar. Con este fin, ordenaba estructuralmente todo lo que veía en formas simples y planos de color. Su afirmación «Quiero hacer del impresionismo algo sólido y perdurable como el arte de los museos»,[21] subraya su deseo de unir la observación de la naturaleza con la permanencia de la composición clásica. Ello queda en evidencia igualmente con su pretensión de «revivir a Poussin del natural» (Vivifier Poussin sur nature)..[22]
Son muy características y fácilmente reconocibles sus pinceladas, a menudo repetitivas, sensibles y exploratorias. Estas pequeñas pinceladas y planos de color se conjugaban para formar campos complejos, expresando al mismo tiempo las sensaciones del ojo que observa y una abstracción de la naturaleza observada.
Cézanne se esforzó por comprender y reflejar la complejidad de la percepción visual humana. Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y para ello observa los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a representarlos desde perspectivas diferentes simultáneamente.[10] La obra de madurez de Cézanne muestra el desarrollo de un estilo de pintura solificado, casi arquitectónico. La intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de la estructura compositiva, indican que, a pesar de la frecuente desesperación del propio artista, había sintetizado los elementos básicos de representación y expresividad de la pintura de un modo muy personal.
Estaba interesado en la simplificación de las formas que ocurrían naturalmente a sus esencia geométrica:
Todo en la naturaleza se modela según la esfera, el cono, el cilindro. Hay que aprender a pintar sobre la base de estas figuras simples; después se podrá hacer todo lo que se quiera. Cézanne, 1904.[10]
Por ejemplo, un tronco de árbol puede concebirse como un cilindro, una cabeza humana como una esfera. Además, la atención concentrada con la que había registrado sus observaciones de la naturaleza dieron como resultado una profunda exploración de la visión binocular, que resulta de dos percepciones visuales simultáneas y ligeramente diferentes, y nos proporciona una percepción de la profundidad y un conocimiento complejo de las relaciones espaciales. Vemos dos puntos de vista simultáneamente; Cézanne empleó este aspecto de la percepción visual en su pintura en grados diferentes. La observación de este hecho, junto con el deseo de Cézanne de capturar la verdad de su propia percepción, a menudo le llevó a presentar los perfiles de formas para al mismo tiempo intentar mostrar los puntos de vista distintivamente diferentes de tanto el ojo izquierdo como el derecho.
Se han descrito varios periodos en la vida y obra de Cézanne.[23]
Se trata de un periodo caracterizado por colores oscuros y un intenso uso del negro, con pigmentos espesos, muy empastado. Su obra difiere grandemente de sus anteriores acuarelas y esbozos de la École Spéciale de dessin de Aix-en-Provence en 1859, o de sus obras posteriores. A menudo se usan para estas obras los términos antisocial o violento, o también eróticas o macabras.[24] Su temática es la figura en el paisaje y comprende muchas pinturas de grupos de figuras grandes y pesadas en el paisaje, pintadas imaginativamente. A este periodo pertenecen:
Cuando Cézanne marchó a L'Estaque en 1870, cambió sus temas para dedicarse principalmente al paisaje. Al instalarse en 1872, en Auvers (Val-d'Oise), comenzó su estrecha relación de trabajo con Pissarro, quien vivía en la cercana Pontoise. Junto con Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir y unos pocos pintores más, Pissarro había desarrollado un estilo para trabajar al aire libre (en plein air) de forma rápida y a escala reducida, que consistía en utilizar pequeños toques de colores puros, sin recurrir a bocetos preliminares ni a dibujos. Pretendían atrapar de ese modo los efectos lumínicos fugaces así como su interpretación visual, también efímera, de la naturaleza. Bajo la influencia de Pissarro, Cézanne comenzó a abandonar las normas académicas y la paleta sombría y fuertemente empastada que le caracterizaba. Sus lienzos se hicieron mucho más brillantes, con colores claros, eligiendo los colores primarios y sus complementarios, además de forzarle a observar atentamente la realidad.[10] Su tema favorito son paisajes. Trabajó a partir de la observación directa y gradualmente desarrolló un estilo de pintura aéreo y ligero.
Cuando Cézanne fijó su residencia definitivamente en Provenza, a principios de los años 1880, se independizó de los impresionistas, centrados en París, y demostró su preferencia por el sur, su país natal y su paisaje. El aislamiento y la concentración, así como la singularidad de su búsqueda, podrían señalarse como los responsables de la increíble evolución que sufrió su estilo durante las décadas de 1880 y 1890. El hermano de Hortense tenía una casa desde la que se veía la montaña Sainte-Victoire en Estaque. Una serie de pinturas de esta montaña de 1880-1883 y otras de Gardanne de 1885-1888, a veces son conocidas como el «Periodo constructivo». De 1888 a 1890 se interesó por la figura humana, pintando una serie de cuadros con personajes de la Comedia del arte, pasando, a partir de 1890, a otra serie sobre Jugadores de cartas, posiblemente inspirado por la obra sobre el mismo tema de Louis Le Nain.
En 1895 hizo una visita germinal a las canteras de Bibémus y ascendió la montaña Sainte-Victoire. El paisaje laberíntico de las canteras debieron impresionarle particularmente, pues alquiló una cabaña allí en 1897. Se cree que estas formas inspiraron el estilo cubista en embrión. Cézanne se concentró en unos pocos géneros, en los que era hábil por igual: bodegones, retratos (y autorretratos), paisajes y estudios de bañistas (desnudos en el paisaje).[10] Respecto al último, Cézanne se vio obligado a dibujar a partir de su imaginación, debido a la falta de modelos desnudos disponibles. Como sus paisajes, sus retratos se pintaban a partir de lo que era familiar, de manera que no sólo su esposa e hijo, sino también campesinos locales, niños, y su marchante, sirvieron de modelos.
Cézanne continuó pintando directamente del natural con brillante colorido de tipo impresionista, pero fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura hasta el punto de que parecía lograr expresar el volumen con sólo unas cuantas pinceladas de color yuxtapuestas. Más adelante los expertos llegarían a afirmar que Cézanne había descubierto un modo de representar tanto la luz como las formas de la naturaleza simplemente mediante el color. Parecía reintroducir una estructura formal que los impresionistas habían abandonado, sin sacrificar por ello la sensación y vivacidad lumínica lograda por ellos. El propio Cézanne hablaba de modular el color en lugar de modelar el claroscuro de la pintura tradicional. Con ello se refería a que suplantaba las convenciones artificiales de representación (modelar) por un sistema más expresivo (modular) que se hallaba aún más próximo a la naturaleza o, como decía el propio artista, "paralelo a la naturaleza". Para Cézanne la solución a todos los problemas técnicos del impresionismo radicaba en utilizar el color de un modo más ordenado y expresivo que el de sus compañeros impresionistas.
Cézanne consideraba que nunca llegaba a alcanzar plenamente su objetivo, por lo que dejó la mayor parte de sus obras sin acabar y destruyó muchas otras. Se lamentaba de su fracaso a la hora de representar la figura humana y, efectivamente, las grandes obras con figuras humanas de sus últimos años revelan unas distorsiones curiosas que parecen dictadas por el rigor del sistema de modulación cromática que él mismo impuso sobre sus propias representaciones. Ejemplo de ello son toda la serie de pinturas dedicadas al tema de los y las bañistas.
Puede decirse que Cézanne crea el puente entre el impresionismo del XIX y el nuevo estilo de principios del siglo XX, el cubismo.
Durante muchos años la obra de Cézanne sólo fue conocida por sus antiguos colegas impresionistas y por unos cuantos artistas jóvenes radicales de la línea del postimpresionismo, entre los que se incluían Vincent van Gogh y Paul Gauguin. Esta generación posterior aceptó prácticamente todas las rarezas de Cézanne.
La retrospectiva de Cézanne de 1907 en el Salón de Otoño impactó grandemente la dirección que tomó la vanguardia parisina, dando crédito a su posición como uno de los artistas más influyentes del siglo XIX y al advenimiento del Cubismo. Fueron las exploraciones de Cézanne de simplificación geométrica y fenómenos ópticos las que inspiraron a Picasso, Braque, Gris, y otros para experimentar con múltiples visiones aún más complejas del mismo tema, y, con el tiempo, a la fractura de la forma. Hay una frase, atribuida tanto Matisse[10] como a Picasso, según la cual «Cézanne es el padre de todos nosotros». Matisse admiraba su utilización del color y Picasso desarrolló la estructura de la composición plana de Cézanne para crear el estilo cubista.
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